Local Gestures
because the personal is cultural
Leatherface, Michael Myers, Les yeux sans visage… Des masques qui fendent le visage en deux, exposant des bouches qui s’ouvrent sans communiquer. Des masques beiges dans un monde beige. Des perruques de tapis blond angora. Une douzaine de ces figures androgynes. Elles sont inquiétantes, étranges, voire étrangères. Comme les extra-terrestres de Solaris, leurs motifs sont indevinables, et ce malgré la multiplicité des perspectives offertes sur l’action : des spectateurs des trois côtés de la scène, le quatrième côté même révélé par la vidéo live projetée sur cinq écrans (tournées d’un quart pour épouser des proportions plus humaines), et une plateforme qui s’étend de douze mètres dans le public. La chorégraphe Marie Chouinard a le don de créer des petits univers autonomes, et encore une fois elle y réussi avec brio pour LE NOMBRE D’OR (LIVE). Ses créatures s’étendent sur le sol et l’écho de leurs rires collectifs atteint presque le gémissement, alors que leurs corps se dandinent tels des ressorts gélatineux. Pourquoi rient-elles? Impossible de savoir. Au milieu de lampes industrielles (fashion) qui les éclairent de près, les danseurs se transforment à l’aide de masques un peu plus grands que nature en une armée de… Stephen Harper. Ça s’avère plus drôle qu'effrayant, peut-être parce que ce n’est pas sans rappeler les méthodes d’animation cheap de South Park. Avec leurs motifs obscurs, ces figures font aussi penser à des émissions plus appropriées pour les enfants, avec leurs bonhommes souvent incompréhensibles. J’ai même écrit « teletubbiesque » dans mes notes. Un revirement s’enclenche lorsqu’ils reviennent à leur masque initial, mais orné de lunettes noires et d’oreilles démesurées. Des mots s’échappent de leurs bouches. Pas des phrases, mais des mots, tout de même. Ça les rend un peu moins étrange, un peu plus humain. Ils sont aussi plus reconnaissables dans leur sexualité grandissante, dans ces expressions d’extase alors qu’un baiser se matérialise, qu’une main caresse l’entre-jambe. Sans son masque, le danseur James Viveiros peut être identifié. Il porte toutefois une longue perruque blonde qui s’étend jusqu’à sa taille. Avec ses expressions faciales démentes, c’est assez pour causer des flashbacks de Killer BOB dans Twin Peaks. Les ventres aussi se contorsionnent, se refoulant contre la colonne vertébrale pour révéler les côtes des interprètes. Un couple n’arrive pas à être heureux en même temps. Elle rie quand il pleure, et vice versa. Le malheur des uns… Et elle pleure, tout en performant des stepettes de ballet, de danse de club, de claquette. Et c’est comique, parce que c’est qu’on ne voit jamais; c’est la job de l’interprète d’offrir une performance qui voile son état d’âme réel. Pour le spectacle. Sous l’œil de danseurs arborant des masques de personnes du troisième âge, Carol Prieur se pointe, sans déguisement. Les lignes de ses jambes démontrent sa dextérité, mais elles ne cessent de sautiller sur le plancher. Elle pourrait être en plein contrôle, si son corps n’était pas si plein de drame. Elle est ce qu’il y a de plus humain dans tout le spectacle. C’est bouleversant. C’est sous des masques de bébés que les danseurs finissent le spectacle, nus comme des vers. Avez-vous déjà vu des bébés? Ça crie, ça rie, ça pleure… Allez savoir pourquoi. Quand j’y pense, ce ne sont pas les extra-terrestres de Solaris qui sont incompréhensibles. Ce sont les êtres humains. LE NOMBRE D’OR (LIVE) 24-26 novembre à 20h Théâtre Maisonneuve, Place des Arts www.dansedanse.net 514.842.2112 / 1.866.842.2112 Billets à partir de 29,50$
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Il est intéressant de voir Étude No 1 de Marie Chouinard moins d’une semaine après avoir assisté à la Biennale de Gigue Contemporaine. Qui aurait cru que la chorégraphe serait celle qui immiscerait la gigue dans un climat décidément contemporain… il y a dix ans de ça. En effet, ce solo a été créé en 2001 pour la danseuse Lucie Mongrain, qui reprend son rôle aujourd’hui pour célébrer les vingt ans de la Compagnie Marie Chouinard. C’est que Chouinard a un don pour la dramatisation de l’espace. Même lorsque Mongrain et son confrère James Viveiros entrent en scène que pour préparer la performance, ils captivent déjà notre intérêt. Bien sûr, la préparation elle-même est performance puisqu’on aurait pu s’en charger avant le spectacle. Lorsque la scène est prête, Viveiros dépose Mongrain sur le plancher bleu surélevé au milieu de celle-ci. Encore là, Mongrain pourrait clairement approcher le plancher de par elle-même, mais cette petite touche fait virer la performance dans le domaine du rituel. Dans la main de Viveiros, deux boules métalliques. Elles sont lancées et tombent sur le plancher de bois avec vacarme, leur son amplifié, mais leur roulement grave réconfortant. Les pas de Mongrain sont soumis au même traitement sonore, ce qui contribue grandement à la richesse d’Étude No 1. Le travail de Louis Dufort à la musique et au dispositif sonore interactif est exceptionnel. Vers la fin, les pas de Mongrain engendrent des effets sonores tels des vitres qui éclatent en morceaux, une disjonction qu’on dirait tirée d’un cartoon de Bugs Bunny. Plus tôt, les claquettes de Mongrain glissent sur le bois bleu avec le son d’une lame sur la glace. Ces glissements menacent de l’étaler de son long. Le mouvement est par contre éclectique. Quelques instants plus tard, il est robotique, les jambes et bras raides de Mongrain se pliant en parfaite synchronisation. Suit un tapement nerveux de la pointe du pied. La pièce est divisée en sections marquées par les sorties du et réentrées sur le plancher. Ces intervalles deviennent le site de préparations psychologiques pour Mongrain avant de se lancer dans des sections particulièrement intenses. Ces répétitions à la va-vite ne sont pas sans humour, comme ces coups de poing lancés dans le vide qui transforment le plancher an arène de boxe. Tout ça avant quelques pas de ballet sur la pointe des pieds, évidemment. Malgré (ou plutôt « dû à ») sa grande maîtrise, Mongrain parvient à communiquer le paradoxe de son corps. Parfois elle se bat contre son tronc qui s’affaisse, tentant tant bien que mal de le relever. La danseuse peut bien être en contrôle de son corps, elle n’en demeure pas moins humaine; il continue de se défaire comme celui de tout mortel. Étude No 1 était suivie de Les Trous du ciel, la première pièce de groupe que Chouinard a chorégraphié, en 1991. Catherine Lalonde du Devoir trouve que la pièce a mal vieilli… Elle est emblématique de son époque, certainement, mais à mes yeux nouveaux elle est toujours fascinante. L’utilisation du son (la seule musique est la voix des danseurs, chacun ayant son micro) est encore là magnifique. Même sur le plan visuel, le passage du lever du soleil à son coucher sans jamais apercevoir le jour crée une atmosphère magique. J’ai grandement apprécié la visite de cette tribu nordique dont les rituels épousent le mouvement des animaux. Oui, c’est de l’histoire, mais ça n’en demeure pas moins une expérience. La célébration des 20 ans de la Compagnie Marie Chouinard se poursuit au Théâtre La Chapelle en mai avec Des feux dans la nuit, le premier solo que l’artiste a chorégraphié pour un homme. On retrouvera la compagnie avec Danse Danse lorsqu’elle présentera sa plus récente création, Le Nombre d’or (live), en novembre. www.lachapelle.org www.dansedanse.net A dog runs incessantly but forever remains in the same spot. It is Muybridge’s dog. It is a video loop. The dog can run without ever becoming tired, but also without ever getting anywhere. A movement emptied out of its functionality. A movement for study. A dance movement.
British choreographer Wayne McGregor turns ten dancers into animals on display in Entity. The human body as machine. Ballet mécanique. Ballet animal. Introduction of the ten dancers. Dynamic, as entrances and exits multiply, sometimes no dancing executed in between. No physical contact, but fleeting synchronized movement. The chest: thrusting out. The torso: wriggling. The hands: shifting. The legs: extending. Ballet in the legs, animal in the upper body, bending as though the spinal column has been removed. Duets. Not the same ease at first, as limbs get stuck together, brief moments of struggle. The kinks quickly get worked out. Trios. Undeniably an enormous amount of work choreographically. Group. The animal is difficult to maintain in the multitude of interactions. The human is a social animal that can only interact through socialized behaviour. The ballet takes over. Couples form. A little gender inversion: in one of the couples, the woman is supporting the man while he executes his steps. Édouard Lock could learn something from this. Post-crescendo. The women. The arms are so expressive that they could be considered verbose, but they are in such symbiosis with the rest of the body that it doesn’t appear to be so. A body section might look isolated, but it influences the rest of the body so tangibly that it is no longer perceived as such. The human body as a whole, continuous. Men/Women. A man walks like one of our primate cousins. On a dime, he switches to a more human, but decidedly confident walk. Again, movement as social phenomenon. If we can move in a multitude of ways, why move only in a limited set of ways? A decision that is usually unconscious becomes conscious through dance. Animal or ballet? Dichotomy or symbiosis? The dancers are swift, dexterous, and precise. The work requires it. The set design is imposing yet simple and effective. The black and white video is tasteful and complements the action. Yet Entity lacks a certain punch. Its dynamism feels empty rather than energetic. A more drastic lighting design might help push it over the edge. So might a more complex structure. Bookends. A video loop of a dog running. But after what? Entity February 10-12 at 8pm Théâtre Maisonneuve, Place des Arts www.dansedanse.net / www.laplacedesarts.com 514.842.2112 / 1.866.842.2112 Tickets start at 24.80$ It is with a feeling of dread that I write this review. The same feeling inhabited me last night when I was watching the triple program offered by BJM Danse. It is a feeling that I would rather shrug off, but that persists as I sit down to write. I am hoping that acknowledging it might lessen its hold on me to make the impending task less gruesome. Thirteen dancers from the company stand side by side for the opening of Mauro Bigonzetti’s Rossini Cards. One of the men slowly removes his jacket and gives it to the person standing next to him. He then takes off his pants and gives them to the dancer on the other side. In his skin-colored underwear, he takes a step forward… and falls offstage, out of sight. This humorous surprise is sadly the high point of the entire show.
Bigonzetti’s work is a series of tableaux that, by wanting to be everything, fail to be anything. The fragmented style reveals an inability to incorporate different elements into a cohesive whole, choreographically as well as thematically. So we look for the semblance of a thread… With its garish dinner table and conspicuous ballet exits, it might be a satire of bourgeois taste. Even if it is, it has so little bite that it ends up being all the more bourgeois. As a series of mostly solos and duets that remain disconnected, Bigonzetti also makes poor use of the thirteen dancers at his disposal. In the more theatrical sections, their acting skills prove to be weak. For a work that is meant to fill such a big stage as that of Théâtre Maisonneuve at Place des arts, Rossini Cards lacks punch. It is so bland, in fact, that you’d swear it were a Grands Ballets Canadiens show. The second piece, Cayetano Soto’s Zero In On, has the benefit of being clearer due to its brevity: a mere seven minutes. A strip of light hanging from the ceiling comes all the way down to the floor. It is an ingenious way of cutting the stage down by a third since there are but two dancers occupying it. Interestingly enough, their skin-tight costumes are also the colour of their flesh, a contemporary dance fad that clearly needs to be over. By wanting to be invisible, these costumes are only all the more distracting. Just when you think it can’t go downhill any more, it turns out that the worse has in fact been kept for last. Annabelle Lopez Ochoa’s Zip Zap Zoom pertains to be inspired by video games, if only in a vain attempt to create a distinct personality for itself. A visually busy video projection at the back of the stage provides us with much of this context, taking our attention away from the dance itself. Flirting with urban dance somehow makes the dancers walk around like they’re grownups playing teenagers on Watatow. The soundtrack, trying to infuse the choreography with an energy it doesn’t possess, is as obnoxious as it is eclectic. The show might not have been a play, but it still turned out to be a three-act tragedy. BJM Danse Montréal January 20-22 at 8pm Théâtre Maisonneuve dansedanse.net / laplacedesarts.com 514.842.2112 / 1.866.842.2112 Tickets start at 21.37$ SPEAKING OF satire, emerging choreographer Patrick Lloyd Brennan is showing his latest creation, The New Bourjoiesie, in an intimate loft in Old Montreal this weekend. With a few dance sequences, the highly theatrical show plays like John Waters at his most inspired. For more information, visit the Facebook event page: http://www.facebook.com/#!/event.php?eid=169566319752882 |
Sylvain Verstricht
has an MA in Film Studies and works in contemporary dance. His fiction has appeared in Headlight Anthology, Cactus Heart, and Birkensnake. s.verstricht [at] gmail [dot] com Categories
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